"Богатыри" В. М. Васнецов. Сам художник описывал появление идеи картины так: Попался набросок трёх богатырей. Написал в мастерской Поленова. Говорили о репинском подводном царстве, тут Вася и показал письмо Чистякова. Мудрец учитель и за тридевять земель слал советы. «Скажите ему, — просил передать, — что в его картине не цвет воды задаёт тон, а веяние впечатления от былины задать должно тон воде и всему; вода тут ни при чём. Цвет и густота воды бывают разные, а былина такая — одна». Слова Чистякова о былине напомнили об одной старой мыслишке, он её карандашиком, а может быть, и углём зарисовал сразу по возвращении из Рябова: лохматые могучие кони, могучая троица богатырей. Так и встало перед глазами: взгорья, простор, богатыри. Дивный сон детства. Нарисовал в единочасье, поднёс Васе в подарок, а тот поглядел и сказал строго, по-чистяковски, это в нём было, чистяковское — за всё искусство ответ держать и о каждом рисунке заботиться. Первый эскиз картины маслом хранится в доме-музее Поленова, поскольку был подарен Поленову. На нём стоит две даты — «75» и «1898 10 марта». Эти две даты объясняются так: Васнецов создал этот эскиз в Париже вскоре по приезде, когда был в мастерской Поленова. Он стал дарить его другу, но Поленов отказался забирать набросок, заявив, что возьмёт его только тогда, когда Васнецов напишет большую картину. Собственно итоговые «Богатыри» были закончены более чем 20 лет спустя, 27 апреля 1898 года. И незадолго до этого, 10 марта, Васнецов преподнёс Поленову эскиз, проставив сразу две даты — первую и последнюю, одной краской, одновременно. Причём 1875 год проставлен ошибочно — на самом деле, по архивным данным, Васнецов приехал в Париж только весной 1876 года.

Жан Оноре Фрагонар (Jean-Honoré Fragonard) – последний из плеяды великих художников рококо. Можно сказать, что стиль рококо нашёл в Фрагонаре своё высшее выражение и – свой конец. Художник стал прямым наследником французских виртуозов рококо двух предыдущих поколений – Антуана Ватто и Франсуа Буше. Фрагонар не стремился перенять меланхолическую утонченность и психологизм Ватто, но с лихвой компенсировал их своей заразительной, искрящейся жизнерадостностью. Он уступал Буше в декоративности, зато выигрывал в экспрессии и изобретательности живописи.

Прекрасные пионы, написанные маслом, поднимут ваш уровень мастерства на новые высоты! Курс живописи "Лиловый танец" всего за 11000 рублей вместо 29000 рублей до 21 октября. Пишите Амрите Шелковниковой

Талбот Хьюз (1869–1942) был британским художником, коллекционером исторических костюмов и миниатюр, автором книг по изобразительному искусству и дизайну костюмов. Он собрал коллекцию из более чем 750 исторических костюмов и аксессуаров, датируемых с 1450 по 1870-е годы. Свою коллекцию он использовал в качестве студийного реквизита.

"Месяц под косой блестит, а во лбу звезда горит." Царевна-Лебедь Михаила Врубеля известна всем с детства по школьным учебникам. Картина была написана в 1900 году и посвящена персонажу оперы Римского-Корсакова «Сказка о царе Салтане». Кстати, для постановки были созданы декорации и костюмы по эскизам художника. Партию Царевны-Лебеди в опере исполняла жена художника — Надежда Забела-Врубель. И хотя отчасти картина вдохновлена ее ролью, все же в ней нет портретного сходства. Михаил Врубель скорее создает собирательный женский образ загадочной Царевны. Картина «Царевна-Лебедь» продолжает «сказочный» цикл произведений Врубеля таких как «Пан», «К ночи», «Жемчужина», «Сирень» и других. Художник показывает на полотне момент превращения Царевны в лебедя, ему удается будто остановить мгновение, когда реальность сливается с нереальным миром. Таинственности картине добавляет вечернее освещение и лучи уходящего солнца. Для Врубеля его Царевна-Лебедь — существо двойственной природы, олицетворяющее темную водную стихию и одновременно воздушную, стремящуюся в небо.

Не обижай художника, у него мастихин!

"Романтический сон" Франческо Винеа (1845-1902).

"Театр масок четырех времен года" Уолтер Крейн (1845-1915). Тема времен года всегда была популярна в искусстве. Её наделяли определенным философским смыслом: смена сезонов рассматривалась в аспекте смены периодов человеческой жизни, и в таком аспекте весна, то есть пробуждение природных сил, олицетворяла начало и символизировала юность, а зима - конец пути - старость. Однако на картине «Театр масок четырех времен года» зима, весна, лето и осень представлены в качестве четырех женских образов, облаченных в разные наряды. Каждая из них привлекательна, так же как весна прекрасна первыми теплыми солнечными лучами и запахом влажной земли, лето- знойными вечерами и звуком цикад, стрекочущими по ночам, осень- золотыми одеяниями деревьев и уютной атмосферой дома, зима- морозной свежестью, кусающей щеки и пушистыми снежинками, тихо покрывающими землю под свет уличных фонарей.

"Выставка картин" Антонио Паолетти (1834 - 1912)

Самокритичность для художника - благо или зло? Большинство художников не способны оценивать себя объективно, так как у них от природы заложена самокритичность, формировавшаяся воспитанием. Однако такая самокритика часто является неправильной, поскольку она не основана на трезвой оценке. Художники не всегда могут относиться к своим ошибкам на пути развития здраво, как к естественному процессу, являющемуся неотъемлемой частью творческого роста. Когда художник совершает ошибку, он сразу же отрицает самого себя, и начинает относиться к себе крайне самокритично. Я считаю, что такое отношение порождает прокрастинацию и формирует синдром самозванца. Реальность намного сложнее, чем просто победы или поражения, существует множество оттенков этой реальности. Даже великие личности должны допускать ошибки, чтобы достичь успеха и стать тем, кем они являются. Этапы ошибок необходимы для обучения и прогресса. Поэтому, когда художник совершает ошибку, критиковать себя он никоим образом не должен. Напротив, он должен аналитически оценивать и пытаться понять, что было хорошо, а что плохо. Важно не принимать позицию "я неудачник", так как это считается комплексом или психологически нездоровым состоянием. Художникам важно любить и оценивать себя уважительно в моменты ошибок, позволяя себе быть несовершенными. Мы должны позволять себе ошибаться время от времени. И тогда мы сможем прощать несовершенства другим, так как право на ошибку является нормальной жизненной позицией. Я считаю, что данная концепция может быть полезной для всех художников, поскольку многие из нас страдают излишней самокритичностью. Редко встретишь художника, который может похвалить свои работы, даже если они очень хорошие. Оценить, что является хорошим или плохим, не всегда просто. Даже работа, которая мне лично не понравилась, может вызвать позитивные эмоции у других людей. Например, Ван Гог не особо любил свои картины и не считал себя великим мастером. Он часто подвергался критике со стороны Гогена. Тем не менее, его картины впоследствии стали известными и украшают различные предметы дизайна таких, как одежду и керамику. Мы постоянно встречаем его звезды и подсолнухи в самых разных местах. Поэтому важно любить себя и разрешать себе ошибаться особенно в сфере искусства. Не стоит оценивать свои творения слишком строго, нужно дать зрителям возможность самим выбирать, как интерпретировать произведения. Мнение зрителей может меняться, так как в одной эпохе модно одно искусство, а в другой - другое. Важно просто наслаждаться процессом создания и применять конструктивный анализ, изучая науки и искусство. Не следует критиковать себя до такой степени, что при первой же неточности сразу считать себя плохим мастером или даже не художником. Нужно просто понять, что это нормальная часть творчествa! Амрита Шелковникова